Feminist corporeities in Spain. Curatorial project curated by Irene Ballester Buigues

Corporeidades feministas en España publicado en la revista M. Arte y cultura visual: http://www.m-arteyculturavisual.com/2014/01/19/corporeidades-feministas-en-espana/

"Intervalos Variables"

Ana Gesto, 2011

"Ana Gesto se autodefine como performer y artista visual. Artista poliédrica que ha diseñado a lo largo de su trayectoria profesional un universo simbólico de objetos trasmutados que fluctúan entre estética, materia, sonido y emoción. Aunque su producción artística se encuentra a medio camino entre la performance, la vídeo-creación y la fotografía, su obra acusa una fuerte tendencia hacia el lenguaje escultórico y la experimentación acústica como medio para reafirmar su identidad cultural y sus raíces. La artista centra sus inquietudes en el potencial escénico y documental del medio performático que, teniendo al propio cuerpo como soporte, le permite indagar en la evocación sensorial de otros tiempos y espacios, la interacción entre los diversos elementos híbridos que conforman su imaginario estético, la construcción de un ambiente invadido por referencias armónicas y disonancias superpuestas…Energía y pasión a través de acciones intensas y solemnes, de un lirismo, a veces dramático, sólo roto en ciertas ocasiones por el estudiado empleo de la fina ironía o la implicación del público en sus acciones. Por ello, cada pieza es única en sí misma y, al tiempo, dialoga abiertamente con su producción pasada y futura pues el componente procesual y evolutivo, forma parte del resultado final."--Patricia Cupeiro"Nueve cazuelas esmaltadas; esas en las que hemos visto cocer tantos deseos, tantasesperanzas compartidas. Donde se perpetúa a través de la repetición la historia deuna familia, la ligazón a la tierra. Aquellas que hace algún tiempo era también másfácil ver colmadas de cemento y carbón que de cualquier vianda. Una chica menudalas arrastra con fuerza, como bata de cola o viacrucis. Como en la fábula portuguesaen que unos viajeros consiguen que todo un pueblo acompañe con sus propiosingredientes convirtiendo una sopa de piedra en un plato que compartir, Ana recogenuestros recuerdos, referencias, relaciones, que van tomando ecos entre los diferentesmatices de los sonidos que nos ofrece."--Ana Maeso

"Ana Gesto defines herself as a performer and visual artist. Polyhedral artist who has designed throughout her professional career a symbolic universe of transmuted objects that fluctuate between aesthetics, matter, sound and emotion. Although her artistic production is halfway between performance, video-creation and photography, her work shows a strong tendency towards sculptural language and acoustic experimentation as a means to reaffirm her cultural identity and roots.The artist focuses her concerns on the scenic and documentary potential of the performance medium that, having the body itself as a support, allows it to investigate the sensory evocation of other times and spaces, the interaction between the various hybrid elements that make up its aesthetic imagery, the construction of an environment invaded by harmonic references and overlapping dissonances ... Energy and passion through intense and solemn actions, from al irism, sometimes dramatic, only broken on certain occasions by the studied use of fine irony or the involvement of the public in their actions. Therefore, each piece is unique in itself and, at the same time, openly dialogues with its past and future production, since the process and evolutionary component is part of the final result. "- Patricia Cupeiro" Nine enameled casseroles; Those in which we have seen so many desires, so many shared hopes cook. Where the history of a family is perpetuated through repetition, the bond with the earth. Those that some time ago were also easier to see filled with cement and coal than any food. A petite girl drags hard, like a bata de cola or viacrucis. As in the Portuguese fable in which travelers get a whole town to accompany with their own ingredients, turning a stone soup into a dish to share, Ana collects our memories, references, relationships, which are taking echoes among the different nuances of the sounds that she offers us. "--Ana Maeso

"Una buena mujer es dífícil de encontrar" y "Los traperos del alma"

María Cañas, 2007

Estos dos fotomontajes pertenecen a La Virtud Demacrada, serie de collages fotográficos digitales en los que reflexiono sobre el amor, el erotismo y la pornografía en nuestros tiempos y en épocas anteriores, recurriendo a la Historia del Arte y a iconos contemporáneos procedentes del cine, Internet o el reverso de la vida. Partiendo de la intensa imaginería y aliento visionario de artistas como Goya, Fuseli, Caravaggio, Duchamp…y escenas de películas que pasean por el amor y la muerte, forjo una cosmogonía barroca digital, un infierno lúdico de símbolos que reivindican la pornografía como lenguaje creador donde la mujer juega un papel creativo e insurgente. Un mundo en el que todo empeora a la vez que mejora, manteniendo nuestros anhelos y perversiones vivos.Palimpsestos cuyo leitmotiv es el amor, el deseo, la melancolía y la muerte...mostrados en algunas películas y que han retratado la complejidad de las relaciones humanas.¿Es posible recrear otra sensibilidad erótica-pornográfica distinta a la imperante, partiendo de sensaciones y emociones ampliamente frecuentadas por el cine y desde un espíritu de transgénero?En La Virtud Demacrada, las mujeres no son seres serviles, ni paridoras estajanovistas, ni esperan el regreso del guerrero al dulce hogar. Son mujeres salvajes, que no conocen prohibición alguna. Poderosas amazonas pensantes e insurgentes, a veces, desesperadas o histéricas, que transgreden lo establecido. Son súcubos que se redimen a través de una catarsis de fuego. Mostrar representaciones alternativas de la pornografía, la belleza subversiva de las “chicas malas”, activa al espectador y otorga a la mujer roles creativos.Regurgito imágenes hechas por y para la mirada del hombre, incluso las que cierto feminismo considera degradante para la mujer, pero pervierto las reglas del juego, por lo que dejan así de ser reflejo del deseo falocrático imperante, y, hasta añadiría antropocéntrico dominante, pues creo más en las bestias, los monstruos, las plantas y los extraterrestres que en muchos seres humanos.La irreverencia y libertad artísticas, se imponen en mi trabajo por encima de las cuestiones genéricas, cinematográficas o identitarias, aunque reflexiones acerca de las mismas estén siempre presentes. Para mí, como para Judith Butler, la identidad es un proceso abierto, en construcción permanente, una incógnita sin respuesta. Abogo por la vindicación de todo tipo de identidades: nómadas, híbridas y venideras, y por la aproximación a los feminismos de la diferencia de Braidotti, Haraway, Butler, Preciado…Obras producidas con ayuda de Cajasol y U.A.B.

These two photomontages belong to The Emaciated Virtue, a series of digital photographic collages in which I reflect on love, eroticism and pornography in our times and in earlier times, drawing on Art History and contemporary icons from the cinema, Internet or the reverse of life. Starting from the intense imagery and visionary encouragement of artists such as Goya, Fuseli, Caravaggio, Duchamp ... and scenes from films that walk through love and death, he forged a digital baroque cosmogony, a playful hell of symbols that vindicate pornography as a creative language where women play a creative and insurgent role. A world in which everything worsens as it improves, keeping our longings and perversions alive. Palimpsestos whose leitmotiv is love, desire, melancholy and death ... shown in some films and which have portrayed the complexity of the Human relations.Is it possible to recreate another erotic-pornographic sensibility different from the prevailing one, starting from sensations and emotions widely frequented by cinema and from a transgender spirit? In The Emaciated Virtue, women are not servile beings, nor are they Stekhanovite calves, nor do they await the return of the warrior to the sweet home. They are wild women, who know of no prohibition. Powerful thinking and insurgent Amazons, sometimes desperate or hysterical, who transgress the established. They are succubi that are redeemed through a catharsis of fire. Showing alternative representations of pornography, the subversive beauty of "bad girls", activates the viewer and gives women creative roles. I regurgitate images made by and for the gaze of men, even those that a certain feminism considers degrading to women, But I pervert the rules of the game, which is why they cease to be a reflection of the prevailing phallocratic desire, and I would even add a dominant anthropocentric, since I believe more in beasts, monsters, plants and aliens than in many human beings. and artistic freedom, are imposed in my work over generic, cinematographic or identity issues, although reflections on them are always present. For me, as for Judith Butler, identity is an open process, in permanent construction, an unanswered unknown. I advocate the vindication of all kinds of identities: nomads, hybrids, and to come, and the approach to feminisms of the difference of Braidotti, Haraway, Butler, Preciado ... Works produced with the help of Cajasol and U.A.B.

"Sín título (monstruas)"

Marina Núñez Jiménez, 2008

Asistimos al fin del mito del cuerpo canónico, que se ha representado en nuestra cultura como una materia comedida, estable, pura, impenetrable. Como corresponde a un ser humano unitario, centrado, homogéneo, autónomo, soberano, dueño del mundo y de sí mismo.En la era de lo poshumano, estos fundamentos se derrumban. Ya hace mucho que los discursos sobre el inconsciente pusieron de manifiesto que la otredad no es algo externo, sino la forma en que estamos constituidos -a pesar del terror que nos sigue provocando y las estrategias paranóicas que ideamos para parapetarnos frente a ella. Ciertos adelantos técnicos, muy especialmente los relativos a la tecnobiología, están acelerando el proceso de desmantelamiento de las viejas representaciones del cuerpo, y por tanto de las anquilosadas definiciones del individuo.Si nuestros cuerpos son reconstruidos mediante ingenios mecánicos o electrónicos, transplantes o xenotransplantes, todo tipo de sustancias químicas, o incluso incipientes terapias genéticas, resulta difícil mantener la imagen de la integridad corporal. Más bien se impone una imagen de un cuerpo collage: híbrido, inestable, metamórfico, artificialmente viable, en el que las fronteras (con el mundo, con otros seres) dejan de ser infranqueables para revelarse porosas y difusas.Pero entonces ese cuerpo posee el mismo conjunto de características que el imaginario popular ha atribuido tradicionalmente a los monstruos. Que si siempre nos han fascinado, atrayéndonos y repeliéndonos simultáneamente, es precisamente por el presentimiento de que no eran sino un reflejo ligera, muy ligeramente, distorsionado.

We are witnessing the end of the myth of the canonical body, which has been represented in our culture as a restrained, stable, pure, impenetrable matter. As befits a unitary, centered, homogeneous, autonomous, sovereign, master of the world and of himself, in the post-human era these foundations crumble. Long ago, the discourses on the unconscious showed that otherness is not something external, but the way we are constituted - despite the terror that continues to provoke us and the paranoid strategies we devise to protect ourselves against it. Certain technical advances, especially those related to technobiology, are accelerating the process of dismantling the old representations of the body, and therefore of the stagnant definitions of the individual. If our bodies are reconstructed by mechanical or electronic devices, transplants or xenotransplantations, All kinds of chemical substances, or even incipient gene therapies, it is difficult to maintain the image of bodily integrity. Rather, an image of a collage body is imposed: hybrid, unstable, metamorphic, artificially viable, in which the borders (with the world, with other beings) cease to be impassable to reveal themselves porous and diffuse. But then that body has the same set of characteristics that popular imagination has traditionally attributed to monsters. That if they have always fascinated us, attracted and repelled us simultaneously, it is precisely because of the feeling that they were only a slight, very slightly, distorted reflection.

"Altar"

Myriam Negre Masiá, 2012

“Altar” es un homenaje al linaje femenino en toda su esencia. La palabra “altar” del latín altare significa elevación, y esta estructura en este caso está consagrada al culto de dicho linaje. En los altares se hacen ofrendas o sacrificios. En este caso el sacrificio está representado por el cráneo de un jabalí, animal totémico de la Diosa de la fertilidad. La ofrenda es la sangre menstrual, nuestro más preciado tesoro, fuente de sabiduría e información para nuestro caminar en la tierra.Esta imagen, cuya belleza se adivina tras la mirada ancestral, invita a meditar sobre nuestro linaje como mujeres, sobre nuestro sacrifico y nuestro dolor, sobre las muertes de tantas mujeres a lo largo de miles de años, ya sea quemadas, violadas, asesinadas … la sangre nos recuerda todo el dolor derramado sin sentido y nos invita a empoderarnos en nuestra esencia salvaje y primigenia para crear un presente continuo de sanación y crecimiento para todas.

"Altar" is a tribute to the female lineage in all its essence. The word "altar" from the Latin altare means elevation, and this structure in this case is consecrated to the cult of this lineage. Offerings or sacrifices are made on the altars. In this case the sacrifice is represented by the skull of a wild boar, totemic animal of the Goddess of fertility. The offering is menstrual blood, our most precious treasure, source of wisdom and information for our walk on earth. This image, whose beauty is guessed from the ancient gaze, invites us to meditate on our lineage as women, on our sacrifice and our pain, over the deaths of so many women over thousands of years, whether burned, raped, murdered ... blood reminds us of all the pain spilled without meaning and invites us to empower ourselves in our wild and primal essence to create a continuous present of healing and growth for all.

“Mujer partida”

Myriam Negre Masiá, 2006

Una mujer partida, símbolo de generaciones de mujeres exiliadas de sus cuerpos y sus visiones. En el interior de su alma, en la profundidad de su ser, se pregunta cual es su lugar, qué viene a representar. Su parte femenina y su parte masculina están partidas. Una mano las une. Es el misterio de un cuerpo tan humano.Poema:Hoy el camino me atraviesaSu filo me agujereaMe desangraMe desvelaPalpable su presenciaLo sientoLo imaginoLo borro y le doy la vueltaPero ya me ha atravesadoHundido en mis entrañasHa sellado la puertaLa espada se queda.

A broken woman, symbol of generations of women exiled from their bodies and visions. Inside his soul, in the depth of his being, he wonders what his place is, what he comes to represent. Its feminine part and its masculine part are split. A hand unites them. It is the mystery of such a human body.Poem: Today the road passes through me Its edge pierces me I bleed to death It reveals its palpable presence I feel it I imagine it I erase it and turn it around But it has already pierced me Sunk in my bowels It has sealed the door The sword stays.

"The City of the Broken Dolls II"

Diana Carolina Bejarano Coca (Diana Coca), 2010

Una narrativa visual construida en base a poses violentas e impulsivas. Es la historia de una mujer salvaje que intenta volver a la tierra, al útero, al inicio, y reconectarse consigo misma. El tacón rojo es el nexo desequilibrante, incómodo y constreñido, que separa el cuerpo de la mujer de la tierra. Este proyecto, así como mi discurso artístico en general, siempre está articulado en torno a la mujer, al espacio público y la exploración del zapato de tacón como nexo de unión entre ambos.Como afirma Donna Haraway, el cuerpo contemporáneo del siglo XXI no es ni naturaleza ni cultura, ni organismo ni máquina, es una entidad tecnoviva multiconectada que incorpora tecnología. Desaparecido el cuerpo cristiano se construye una nueva materialid-ad, proliferando nuevos órganos en los que el poder viene a inscribirse. Me interesa el cuerpo profanado, con residuos de violencia, restos de heridas, vestigios de dramas emocionales y, en general, situaciones de insatisfacción respecto al modelo establecido. Éstas situaciones a veces desembocan en lo obsceno y lo impúdico, denunciando las experiencias abusivas que sufren las mujeres a lo largo de la vida, pero que, en muchos casos, protegen religiosamente. Referencias al Mago de Oz, Wonder Woman y Jodie Foster en Taxi Driver.

A visual narrative built on violent and impulsive poses. It is the story of a wild woman who tries to return to the earth, to the womb, at the beginning, and reconnect with herself. The red heel is the unbalanced, uncomfortable and constrained link that separates the woman's body from the earth. This project, as well as my artistic discourse in general, is always articulated around women, the public space and the exploration of the heeled shoe as a link between the two. As Donna Haraway affirms, the contemporary body of the 21st century is not Neither nature nor culture, nor organism nor machine, it is a multiconnected technoactive entity that incorporates technology. With the Christian body gone, a new materiality is built, proliferating new organs in which power comes to register. I am interested in the desecrated body, with residues of violence, remains of wounds, vestiges of emotional dramas and, in general, situations of dissatisfaction with the established model. These situations sometimes lead to the obscene and the impudent, denouncing the abusive experiences that women suffer throughout their lives, but which, in many cases, they protect religiously. References to the Wizard of Oz, Wonder Woman and Jodie Foster in Taxi Driver.

"Last Dinner I"

Diana Carolina Bejarano Coca (Diana Coca), 2008

Serie fotográfica creada durante una estancia formativa en el ICP de NY en 2008, donde me presento como objeto que va a ser devorado y como sujeto que va a devorar. Como un Saturno parricida, y de ahí objeto y sujeto crean una relación paradójica, sin posibilidad de realización porque la acción del sujeto sobre el objeto acabaría con ambos (objeto y sujeto). De ahí nace toda la tensión y contradicción. Están presentes por igual idea de la imposibilidad y la idea de la autodestrucción. Piernas, pies, tacones de aguja, fetiches... transgreden la sinuosa linea entre lo público y lo personal.

Photographic series created during a training stay at the ICP in NY in 2008, where I present myself as an object that is going to be devoured and as a subject that is going to devour. Like a parricidal Saturn, and hence object and subject create a paradoxical relationship, with no possibility of realization because the action of the subject on the object would end both (object and subject). Hence all the tension and contradiction arises. The idea of impossibility and the idea of self-destruction are equally present. Legs, feet, stilettos, fetishes ... transgress the sinuous line between the public and the personal.

"Todos mis galones" y "Ele-cho en bis"

Miriam Vega, 2013

La investigación que desarrollo surge a través de la reinterpretación del propio cuerpo como sujeto independiente acompañado de su leyenda autobiográfica. Una de las descodificaciones que busco en mi trabajo es desmembrar la conducta del cuerpo ante el dolor, siendo la fotografía, la performance, el comportamiento textual y el vídeo los vehículos comunicativos que utilizo.El proceso de búsqueda recoge, a través de mi propia limitación, una serie de comportamientos o actos reflejos que interactúan entre espacio y movimiento. La adaptación del cuerpo a su molde incierto hace que ciertas ejecuciones se transformen y se resuelvan en una expresividad física. Así, en la línea longitudinal del tiempo, el lenguaje corporal confluye en ocasiones con la necesidad de profundizar en la estructura más frágil y otras con el impulso deresolver un acto cotidiano.Entender el cuerpo como factor condicionante y cómo este se desarrolla y resuelve es un tema que podemos ver reflejado en artistas como Frida Khalo, Hannah Wilke, Francesca Woodman , Diane Arbus, Angelica Liddell entre otras… quienes muestran en sus trabajos la enfermedad o la vulnerabilidad analizando el cuerpo como existencia unipersonal y su relación con el entorno.Mi trabajo pretende buscar en el observador un choque comunicativo, (1) donde la imagen femenina no sea sinónimo de maternidad ni de sexualidad sino la de un cuerpo digno de ser vivido.(1) Véase: Irene Ballester Buigues. El cuerpo abierto. Representaciones extremas de la mujer en el arte contemporáneo, Editorial Trea, Gijón, 2012, p. 144- Miriam Vega

The research that I develop arises through the reinterpretation of the body itself as an independent subject accompanied by its autobiographical legend. One of the decodes that I look for in my work is to dismember the body's behavior in the face of pain, photography, performance, textual behavior and video being the communicative vehicles that I use.The search process gathers, through my own limitation , a series of behaviors or reflex acts that interact between space and movement. The adaptation of the body to its uncertain mold causes certain executions to be transformed and resolved into physical expressiveness. Thus, in the longitudinal line of time, body language sometimes converges with the need to delve into the most fragile structure and sometimes with the urge to solve an everyday act. Understanding the body as a conditioning factor and how it develops and resolves is a a theme that we can see reflected in artists such as Frida Khalo, Hannah Wilke, Francesca Woodman, Diane Arbus, Angelica Liddell, among others ... who show disease or vulnerability in their works, analyzing the body as a one-person existence and its relationship with the environment. My work It seeks to search the observer for a communicative shock, (1) where the female image is not synonymous with motherhood or sexuality but rather that of a body worth living. (1) See: Irene Ballester Buigues. The open body. Extreme representations of women in contemporary art, Editorial Trea, Gijón, 2012, p. 144- Miriam Vega

Corporeidades feministas en España. Proyecto curatorial comisariado por Irene Ballester Buigues