DESTEJER LA MEMORIA. Alexia Miranda. Curaduría: Pancho López
Presentamos una pequeña selección de obra para el Museo de Las Mujeres de lo que fué la recién exhibición expuesta en el Museo de Arte y Diseño de Costa Rica MADC 2023
La obra de la artista salvadoreña Alexia Miranda es un nudo en el tiempo. Múltiples capas se acomodan unas sobre otras. Un nudo en la garganta, un dolor en el pecho, un cuerpo que cae. De la intimidad se abren ventanas hacia el videoarte, convirtiéndolo en espacio de juego, de reencuentro y de sanación.
Dos décadas se agolpan en una veintena de videos, mismos que recogen un sinfín de recuerdos, un cúmulo de acciones que destejen la memoria, desanudándose, extendiendo el cuerpo de una artista que se ha sentido a la deriva y en desasosiego, transformando los sinsabores en catarsis audiovisual. Pero también es en el terreno del video donde narra sus pasiones y el sinsentido cobra forma, devolviendo ese gesto humano del cual habla todo el tiempo en su accionar como artista, como mujer.
El espectador se enfrenta a un reto constante: entender las conexiones entre obras, un constante diálogo se entreteje sutilmente, se dibujan formas y nociones del cuerpo, y se recogen impresiones de la vida.
Como ese carrusel que gira sin parar, el cuerpo de esta artista una y otra vez desteje la memoria y desgasta sigilosamente el filo del tiempo.
Pancho López
El hilo que se desteje
(la intimidad, la fragilidad, lo desechable, lo doméstico, lo cotidiano, la violencia de género)
Mirar al pasado, la nostalgia, la intimidad, la fragilidad
Como a través de una ventana, la obra de Alexia Miranda nos permite echar un ojo a la intimidad, a esas cosas que guardamos y escondemos pues hablan de nuestros miedos y la fragilidad. Las corazas se esfuman, los escudos se desvanecen, a partir de las poéticas de lo sensible el cuerpo de la artista se convierte en una radiografía, como una lupa que deja ver a detalle las fibras de lo humano.
Reflexiones sobre la fragilidad II. Registro de performance / Fotografía intervenida
Reflexiones Sobre la Fragilidad II, Video / Registro. 21:29 min. Tegucigalpa, Honduras, 2019
Reflexiones Sobre La Fragilidad: una pieza que dialoga con el límite de las relaciones humanas, la relación que existe entre un cuerpo frágil y otro cuerpo frágil; la vulnerabilidad y el riesgo de entregarlo todo y perderlo todo, la vida sostenida en estructuras irreales ¿Dónde termino yo? ¿Dónde comienza el otro? ¿Estamos dispuestos a ser completamente transparentes y mostrarnos sin miedo asumiendo la posibilidad de lo irremediable?
Engullir del Tiempo, Video performance. 02:30 min.
El Salvador, 2020Video performance grabado durante la pandemia en la primera etapa de la cuarentena, documentación con celular .
Engullir del Tiempo, instalación
Recetas de Cocina para los Tiempos de Hambruna. Instalación / Video / Registro. 14:33 min. Cámara: Amber Rose
La propuesta surge como metáfora de una secuencia concreta de 3 acciones sucesivas y básicas: el acto de descascarar o pelar algo, el acto de exprimir, y el acto de quebrar, acciones relacionadas directa o indirectamente con el plano físico y emocional de nuestras vivencias y relaciones humanas. La mano del ejecutor que interviene los materiales seleccionados para la acción cobra en su intención una complicidad casi perversa, pero a la vez sutil y cotidianamente indiscreta; en la cual se inserta la necesidad ritual de trascendencia de los actos del ejecutor bajo el condicionante temático del “instructivo” que pauta por pauta dictamina los pasos a seguir del recetario que “promete” una posibilidad de sublimar los sin sabores de la vida.
Recetas de Cocina para los Tiempos de Hambruna. Instalación
Jardin de Lo Cotidiano (instalación de cupcakes) Filtros de café y moldes para cupcakes. De la serie “Domestícame”, 2006 – 2023
Jardin de Lo Cotidiano
Caída de los cuerpos. De la serie “El Clóset”. Video performance, 02:25 min. Colección Fundacion Rosas Botrán
La metáfora de caer como acontecimiento inevitable de la vida; la voluntad de tirarse al vacío por lo que uno ama ; la travesía de la caída como proceso de entrega y aprendizaje del existir, la naúsea, y el insoportable peso de la consciencia hacia el abismo...El cuerpo como símbolo del peso físico y emocional acumulado; el cuerpo del performer como metáfora de todos los cuerpos que caen....
Caída de los cuerpos. De la serie “El Clóset”.
Hombre y Mujer, Bocetos, serie El Closet 2008
Hombre y Mujer, Bocetos, serie El Closet 2008
Dinámicas de interacción
El espacio público, el juego, lo colectivo, lo urbano
El contacto con lxs otrxs siempre ha sido un tema importante, pues es a través del mismo que se establecen las relaciones. La artista estudia a fondo la manera en que se conecta con el mundo, con su entorno, y señala así los abusos, la falta de empatía y las desigualdades que se viven a lo largo de la vida. Su interés principal es lo humano y cómo se refleja en la cotidianidad.
Carrousel, Video performance, 04:55 min. 2012. Cámara y fotografía: Andrés Díaz
Todos estamos inmersos en este gran círculo de la vida y la muerte, todos estamos inmersos en el pasar del tiempo, todos somos víctimas de una causalidad inexplicable, de un destino incomprensible, de un tiempo en esta tierra, del comienzo y del fin. Carrousel surge como una reflexión hacia el ciclo vital que llevamos dentro, el proceso de búsqueda, el encuentro, el apego a la vida; el carrusel como elemento atemporal girando en un sinfín sobre su propio eje, el carrusel como símbolo circular de infinito vaivén: la vida como ese vaivén existencial, monótono, caótico que ha sido estudiado por distintas culturas y religiones a través del tiempo. En la acción batallo con mis apegos, me quedo en el objeto inanimado “el caballo”, en él deposito mi amor y mi confianza, hay un apego que no puedo dejar ir, algo que no puedo soltar, un recuerdo de la infancia, una nostalgia profunda, “la magia sujeta a la ilusión de la rueda de caballitos”, el yo atado, aferrado a la inmovilidad; cuando todo mi alrededor gira, se mueve y cambia debo soltarlo. Debo desapegarme de eso que tanto amo, porque la vida es cambio y esa es nuestra única verdad. …
MEMORIA SONORA 2018. PACIFIC STANDAR TIME, LIVE ART L.A/ L.A REDCAT
La pieza reflexiona en el sonido: como un lenguaje particular de vibración y conciencia; generado en esta intervención pública por el cuerpo colaborativo de artistas de performance, y un equipo multidisciplinario. La pieza ha sido ejecutada con anterioridad por CATAPULTA en el Museo MARTE de El Salvador 2011 y en la X Bienal Centroamericana 2016 en el Templo de La Música San José, Costa Rica; en el Encuentro Hemisférico de Políticas y Performance de Las Américas X Teresa Arte Actual Ciudad de México 2019; la obra está diseñada con la intención de crear un tejido sonoro de reciprocidad, dinámico y experimental enfocado en sonidos alternativos, emotivos, nostálgicos, sutiles o personales: capaz de conectarnos con nuestra memoria y traspasar el espacio y el tiempo. La acción in situ conlleva la exploración de ciertos objetos o materiales específicos, lúdicos y sensoriales que al ser manipulados por el cuerpo del performer: tienen la posibilidad de crear ritmos y seducir al ojo con la imagen. Estamos pues ante un (jamming - performático - sonoro) tratando de explorar nuevas redes de comunicación colectiva y estrategias musicales que propongan y cuestionen fórmulas establecidas y transporten al espectador a imágenes y sensaciones en el tiempo. Pueblo de Los Ángeles, Los Ángeles Plaza Park el 14 y 16 de enero 2018.
Pas de Deux, Video performance. 09:47 min.
La pieza es un continuum simbólico de intenciones en la que el cuerpo del performer intenta que un ser de otra especie con una masa corporal muy grande, y una composición ósea muy distinta (un caballo) entable un diálogo emocional y corporal sincrónico con su cuerpo. Persiste la búsqueda de horizontalidad en las relaciones afectivas, la necesidad de atención y conexión energética ante un ser desconocido con el que se trata de establecer un grado de profunda confianza. La acción también sugiere la necesidad de contacto físico, en un mundo pandémico donde el aislamiento es obligatorio y la ternura y el contacto afectivo en público es visto como un acto delictivo. ¿Cómo hacer orgánicamente que se genere una danza contact entre dos cuerpos de diferente especie? ¿Cómo fluir e interactuar sin miedo con otro ser viviente y entablar otros códigos de comunicación humano-animal?
Tejido Colectivo (Instalación de gasa médica tejida con el público por 6 años, pieza en proceso continuo)
Plataforma Flotante Para Anidar Los Sueños. (Taller, instalación, acción colectiva). 21 Bienal de Arte Paiz, Más Allá. Curaduría Gerardo Mosquera
La obra surge como un proceso de diagnóstico con la comunidad Garífuna de Livingston, Guatemala en el cual se trabajó de la mano con la Ludoteca Beluba Luba Furendei guiando una serie de talleres con los niños de la isla con quienes exploramos las carencias y ausencias emocionales (muchos de ellos hijos de padres migrantes y ausentes) En los talleres lúdicos creamos propuestas desde lo corporal, musical, visual y simbólico: los niños escribieron y dibujaron sus sueños personales y posteriormente, construimos atrapa sueños muy coloridos, estilo huichol. La obra, fue un proceso que también implicó crear una balsa flotante con bambú estilo “tiki boat” una tradicional balsa de bambú elaborada de manera autóctona con materiales locales, que fue lanzada al mar Caribe en una acción pública en que todos los niños que formaron parte del taller hicieron un acto simbólico de subirse a la balsa sobre las olas del mar y flotar juntos para pedir a Yemayá que cumpliera los sueños escritos y dibujados previamente en una hoja de papel. “Plataforma Flotante Para Anidar los Sueños” es un manifiesto a la necesidad de crear una plataforma colectiva, flotante con materiales encontrados, como espacio neutro, extra-ordinario para que la gente de la comunidad pueda: crear, cantar, hacer música, bailar, jugar y compartir y soñar.
Lapidación. Video / Registro. 12:12 min. El Salvador, 2015. Cámara: Rodrigo Dada
La acción reflexiona sobre la lapidación y la humillación pública como método absurdo de señalamiento y juicio humano y la catarsis colectiva de lanzar tomates practicada desde los orígenes de la sociedad en acto de repudio o denuncia. En la pieza me acerco a la gente de la plaza, les hago preguntas incómodas e inquisidoras que los hacen reflexionar en su comportamiento humano, por ejemplo: ¿Cuándo fue la última vez que le fuiste infiel a alguien? ¿Cuándo fue la última vez que golpeaste a tu mujer, a tu hijo, a un ser querido? ¿Cuántas veces has sido inconforme? ¿Cuál fue la última vez que envidiaste a tu vecino? Luego subo las gradas de la Plaza Libertad del Centro Histórico de San Salvador y doy pauta para que la gente tome el control de la acción, activando la empatía, la culpabilidad, el morbo o el repudio: y estas emociones detonen que el público me lapide. La pieza surge como cierre de un taller de performance que implementé por 3 meses en La Casa Tomada con apoyo de la Unión Europea y el Proyecto Cultura Entre Todos, el 13 de diciembre del 2015. La obra de video es un documental que pretende narrar los acontecimientos de manera estética y simbólica para permitir al espectador su continua reflexión hacia el uso de la culpa y el juicio que emitimos sobre otros.
No Necesitamos Más Papel (registro de acción)
MANIFEST, ENCUENTRO HEMISFERICO DE POLITICAS Y PERFORMANCE DE LAS AMERICAS , Montreal 2014, registro de acción (denuncia a la violación de los derechos humanos) y a la falacia institucional que existe en acumular leyes y papel , gastar presupuestos millonarios en campañas mediáticas que al final no logran hacer ningún cambio real.
Lo que se desprende, el residuo, lo que se descascara, el inconsciente, lo híbrido….
Espacio vital, performance 2002
Proceso de exploración corporal y sonora del cuerpo en estado primario, buscando reconocer movimientos, sensaciones y acciones ontológicas; manifestación del ser humano en contacto con la tierra como un cuerpo físico y el ser humano como un cuerpo espiritual en agua. Esta pieza surge como una necesidad de expresión después del nacimiento de mi segunda hija Shanti, tratando de explorar los procesos de manifestación de un ser humano al entablar contacto con el mundo físico que nos rodea, cómo surge ese proceso de transformación interno, cómo se crea la necesidad de comunicación de una emoción a una forma a un sonido; la pieza también pretende hacer una reflexión ante el milagro de la vida dentro del vientre materno y la placenta cósmica, universal.
Imágenes Contemplativas I y II. Díptico. Video performance. 06:58 min. El Salvador, 2009. Colección Mario Cader Frech
Debajo del Agua, Video proyección sobre pecera, agua y remolachas. Museo Marte, 2019 – 2023
La pieza dialoga con la palabra poética como medio de evocación de emociones y sensaciones poderosas en el ser humano en la acción repito un poema que escribí hace algunos años con una carga existencial muy grande, el texto cuestiona el vacío y la inconformidad de estar vivo acoplados a un sistema de normalización mediocre de expectativa humana, el poema se convierte en una letanía mientras la palabra en tiempo real es capturada y manipulada electroacústica-mente por el músico David Guardado, quien juega acentuando tiempos, ritmos, ecos y deformando sentido. El cuerpo dentro de una pecera de agua, simboliza aquello que está fuera de lugar, aquello atrapado, reprimido, violentado, limitado; forzado a habitar desde la vitrina artificial, en estado alterado de vulnerabilidad, sin embargo, el agua como elemento onírico de sanación funciona como la placenta donde se libera el inconsciente, y todo lo que no se dice ni se acepta en la normativa social, aquello que solo puede habitar debajo del agua. El agua se vuelve el mecanismo de liberación, y a la vez la purga dónde se ahogan las penas. En la acción el público es invitado a participar, se les invita a verter cilindros de hielo sobre el cuerpo del performer, el hielo vulnerabiliza el cuerpo, lo eleva a un estado de contención máximo, la palabra poética es alterada por las sensaciones del frío, el cuerpo se adormece y permanece inmóvil, el simbolismo de aquietamiento es evidente. La acción remite a un proceso de adormecimiento de la fuerza indomable de la persona para saber sobrevivir en un mundo inhóspito, en un sistema enfermo, al que todos nos adaptamos por conveniencia. El cuerpo femenino se derrama sobre sí mismo, entra en un proceso de dolor, de catarsis; las remolachas representan ese fruto prohibido, saturado, barroco, inconsciente con un majestuoso color que no es ni rojo, ni púrpura: es color remolacha, un color escandaloso, saturado, violentado imprescindible; el cuerpo se vierte a sí mismo derramándose para asumir su valentía, su feminidad, su mancha y su dolor, el dolor de muchas mujeres que a lo largo de la historia no han tenido la oportunidad de comunicar, sanar y liberar su pesadumbre.
Debajo del Agua (instalación con pecera, registro de performance proyección). Colección Christian Lesko
Jardín de anemonas y monstruos (instalación) De la serie “Lenguajes Híbridos”. Papel maché intervenido con electrodomésticos, utensilios de cocina, gasa, medias, silicón, poliuretano y acrílico, 2023
Falda de Cascaras de Cebolla (Instalación)
Reflexiones sobre lo Irreversible. Video performance. 14min. 2018. Cámara y fotografía: Fred Ramos, Mónica Campos Jaime Rigada
El tiempo de los seres humanos no vuelve nunca para atrás, que nada vuelve a ser lo que era antes. Sobre héroes y tumbas. (1961) Ernesto Sábato
La pieza dialoga sobre lo irreversible como un fenómeno orgánico químico y físico en el ser humano la imposibilidad de volver a un estado o condición previa. En la obra cubro mi cuerpo con una sustancia tóxica: “espuma de poliuretano” un material que por su naturaleza vive un proceso de cambio y transformación en el tiempo en contacto con el aire, la humedad y la temperatura del ambiente. Con este material cubro mi cuerpo creando una nueva piel, una nueva capa, coraza ó escultura híbrida de mí misma, me permito experimentar el material, ser absorbida por él; al inicio de la acción el material se desprende con facilidad de mi cuerpo pues su condición es casi líquida, conforme el pasar del tiempo, éste se adhiere a mí convirtiéndose en una amalgama pegajosa mimetizándose con mi cuerpo y mi naturaleza humana para luego petrificarse como roca. Posterior surge la necesidad del desprendimiento de esa antigua capa de piel y emerge el dolor o el luto de enterrar nuestro pasado; todos en alguna etapa de nuestra vida nos hemos desprendido de algo que amamos y nos destruye a la vez, la espuma de poliuretano encierra una carga simbólica por su extrema fuerza transformativa, su belleza estética y su alto contraste conceptual por su contenido nocivo para la salud, inflamable, cancerígeno y tóxico para las vías respiratorias, y la epidermis. Surge la pregunta: ¿Cómo algo tan hermoso puede ser a la vez tan tóxico y mortal? En una acción ceremonial surge una contemplación, un adiós, un entierro. En un acto de sanación personal sostenido por la experiencia, guiada por sabiduría arquetípica, chamánica y metafísicas : el cuerpo del performer se desprende de ese inconsciente colectivo del dolor para marcar un cambio en su propia piel psíquica, nunca nada volverá a su antiguo origen, ni a su antigua forma; las decisiones de una vida marcan diferencias y hábitos determinantes en el comportamiento del individuo. Nunca el material volverá a su antigua condición líquida y gaseosa; ahora el poliuretano se ha petrificado, con mi ropaje, se ha creado una nueva composición (matérico–simbólica) mientras se consume todo sobre el fuego: elemento ceremonial, sagrado y ancestral que todo lo devora y purifica; el fuego que por su propia naturaleza es cambio, combustión, energía, humo, brazas y cenizas en el tiempo.
Reflexiones Sobre Lo Irreversible (instalación, reliquia de performance)
Biografía de Alexia Miranda, El Salvador, 1975
Estudio Humanidades, Artes Plásticas y Danza Contemporánea en la Universidad de las Américas, Puebla, México y en la Escuela Nacional de Danza de El Salvador. Estudió Piscología Transpersonal y pedagogía creativa. Es catedrática y trabaja con niños y comunidades vulnerables. Entre sus exhibiciones destacan: Coordinadora del Continuo Latido Americano de Performance 2020 para El Salvador. Artista invitada Décimo Tercera XIII Bienal de la Habana, Cuba 2019“. La Construcción de lo Posible”. Selección XXI Bienal de Arte Paiz, “Más Allá”, Guatemala, 2018 curada por Gerardo Mosquera. “Pacific Standard Time” Live Art, LA/LA REDCAT, Los Ángeles, U.S.A, 2018. PROYECTOR Festival de Video Arte, Madrid, 2018. Selección FUSO videoarte Lisboa 2017 y Teorética Costa Rica, 2018. “Dónde Hubo Fuego” Museo de Arte MARTE El Salvador, 2017. Selección X, Bienal Centroamericana Costa Rica, 2016. Instituto Hemisférico de Políticas y Performance de Las Américas MANIFEST, Encuentro Montreal, 2014. VIDEOAKT. Bienal Internacional de Videoarte, Barcelona 2013. Month of Performance Art. Berlín, 2013. Miami International Performance Festival, 2012. EJECT Festival de Video Performance X Teresa Arte Actual, México D.F, 2012. Bienal Internacional de Performance DEFORMES Chile, 2010. Primer Lugar Festival De Cine y Video Centroamericano Ícaro categoría experimental, Guatemala 2009, Premio Hocus Pocus MARTE Contemporáneo 2008, Talento Jóven del Año, CENAR, CONCULTURA 2008, Finalista y Mención de Honor“. Subasta de Arte Latinoamericano JUANNIO Guatemala 2008. Primer Lugar Festival de Arte Digital, Fundación CLIC – HIVOS, El Salvador, 2006. Primer Lugar categoría experimental, Bienal de Arte Paiz, 2005. Segundo Lugar certamen de poesía,” Mujer Rompe tu Silencio” 2005. Su obra ha sido expuesta en Centro, Norte y Sur América; al igual que en Europa y el Caribe.