Corporeidades feministas en España. Proyecto curatorial comisariado por Irene Ballester Buigues

Corporeidades feministas en España publicado en la revista M. Arte y cultura visual:
http://www.m-arteyculturavisual.com/2014/01/19/corporeidades-feministas-en-espana/

“Intervalos Variables”

Ana Gesto, 2011

“Ana Gesto se autodefine como performer y artista visual. Artista poliédrica que ha diseñado a lo largo de su trayectoria profesional un universo simbólico de objetos trasmutados que fluctúan entre estética, materia, sonido y emoción. Aunque su producción artística se encuentra a medio camino entre la performance, la vídeo-creación y la fotografía, su obra acusa una fuerte tendencia hacia el lenguaje escultórico y la experimentación acústica como medio para reafirmar su identidad cultural y sus raíces. La artista centra sus inquietudes en el potencial escénico y documental del medio performático que, teniendo al propio cuerpo como soporte, le permite indagar en la evocación sensorial de otros tiempos y espacios, la interacción entre los diversos elementos híbridos que conforman su imaginario estético, la construcción de un ambiente invadido por referencias armónicas y disonancias superpuestas…Energía y pasión a través de acciones intensas y solemnes, de un lirismo, a veces dramático, sólo roto en ciertas ocasiones por el estudiado empleo de la fina ironía o la implicación del público en sus acciones. Por ello, cada pieza es única en sí misma y, al tiempo, dialoga abiertamente con su producción pasada y futura pues el componente procesual y evolutivo, forma parte del resultado final.”

–Patricia Cupeiro

“Nueve cazuelas esmaltadas; esas en las que hemos visto cocer tantos deseos, tantas
esperanzas compartidas. Donde se perpetúa a través de la repetición la historia de
una familia, la ligazón a la tierra. Aquellas que hace algún tiempo era también más
fácil ver colmadas de cemento y carbón que de cualquier vianda. Una chica menuda
las arrastra con fuerza, como bata de cola o viacrucis. Como en la fábula portuguesa
en que unos viajeros consiguen que todo un pueblo acompañe con sus propios
ingredientes convirtiendo una sopa de piedra en un plato que compartir, Ana recoge
nuestros recuerdos, referencias, relaciones, que van tomando ecos entre los diferentes
matices de los sonidos que nos ofrece.”

–Ana Maeso

 

“Una buena  mujer es dífícil de encontrar” y “Los traperos del alma”

María Cañas, 2007

Estos dos fotomontajes pertenecen a La Virtud Demacrada, serie de collages fotográficos digitales en los que reflexiono sobre el amor, el erotismo y la pornografía en nuestros tiempos y en épocas anteriores, recurriendo a la Historia del Arte y a iconos contemporáneos procedentes del cine, Internet o el reverso de la vida. Partiendo de la intensa imaginería y aliento visionario de artistas como Goya, Fuseli, Caravaggio, Duchamp…y escenas de películas que pasean por el amor y la muerte, forjo una cosmogonía barroca digital, un infierno lúdico de símbolos que reivindican la pornografía como lenguaje creador donde la mujer juega un papel creativo e insurgente. Un mundo en el que todo empeora a la vez que mejora, manteniendo nuestros anhelos y perversiones vivos.

Palimpsestos cuyo leitmotiv es el amor, el deseo, la melancolía y la muerte…mostrados en algunas películas y que han retratado la complejidad de las relaciones humanas.
¿Es posible recrear otra sensibilidad erótica-pornográfica distinta a la imperante, partiendo de sensaciones y emociones ampliamente frecuentadas por el cine y desde un espíritu de transgénero?

En La Virtud Demacrada, las mujeres no son seres serviles, ni paridoras estajanovistas, ni esperan el regreso del guerrero al dulce hogar. Son mujeres salvajes, que no conocen prohibición alguna. Poderosas amazonas pensantes e insurgentes, a veces, desesperadas o histéricas, que transgreden lo establecido. Son súcubos que se redimen a través de una catarsis de fuego. Mostrar representaciones alternativas de la pornografía, la belleza subversiva de las “chicas malas”, activa al espectador y otorga a la mujer roles creativos.

Regurgito imágenes hechas por y para la mirada del hombre, incluso las que cierto feminismo considera degradante para la mujer, pero pervierto las reglas del juego, por lo que dejan así de ser reflejo del deseo falocrático imperante, y, hasta añadiría antropocéntrico dominante, pues creo más en las bestias, los monstruos, las plantas y los extraterrestres que en muchos seres humanos.

La irreverencia y libertad artísticas, se imponen en mi trabajo por encima de las cuestiones genéricas, cinematográficas o identitarias, aunque reflexiones acerca de las mismas estén siempre presentes. Para mí, como para Judith Butler, la identidad es un proceso abierto, en construcción permanente, una incógnita sin respuesta. Abogo por la vindicación de todo tipo de identidades: nómadas, híbridas y venideras, y por la aproximación a los feminismos de la diferencia de Braidotti, Haraway, Butler, Preciado…

Obras producidas con ayuda de Cajasol y U.A.B.

 

“Sín título (monstruas)”

Marina Núñez Jiménez, 2008

Asistimos al fin del mito del cuerpo canónico, que se ha representado en nuestra cultura como una materia comedida, estable, pura, impenetrable. Como corresponde a un ser humano unitario, centrado, homogéneo, autónomo, soberano, dueño del mundo y de sí mismo.

En la era de lo poshumano, estos fundamentos se derrumban. Ya hace mucho que los discursos sobre el inconsciente pusieron de manifiesto que la otredad no es algo externo, sino la forma en que estamos constituidos -a pesar del terror que nos sigue provocando y las estrategias paranóicas que ideamos para parapetarnos frente a ella. Ciertos adelantos técnicos, muy especialmente los relativos a la tecnobiología, están acelerando el proceso de desmantelamiento de las viejas representaciones del cuerpo, y por tanto de las anquilosadas definiciones del individuo.

Si nuestros cuerpos son reconstruidos mediante ingenios mecánicos o electrónicos, transplantes o xenotransplantes, todo tipo de sustancias químicas, o incluso incipientes terapias genéticas, resulta difícil mantener la imagen de la integridad corporal. Más bien se impone una imagen de un cuerpo collage: híbrido, inestable, metamórfico, artificialmente viable, en el que las fronteras (con el mundo, con otros seres) dejan de ser infranqueables para revelarse porosas y difusas.

Pero entonces ese cuerpo posee el mismo conjunto de características que el imaginario popular ha atribuido tradicionalmente a los monstruos. Que si siempre nos han fascinado, atrayéndonos y repeliéndonos simultáneamente, es precisamente por el presentimiento de que no eran sino un reflejo ligera, muy ligeramente, distorsionado.

 

“Altar”

Myriam Negre Masiá, 2012

“Altar” es un homenaje al linaje femenino en toda su esencia. La palabra “altar” del latín altare significa elevación, y esta estructura en este caso está consagrada al culto de dicho linaje. En los altares se hacen ofrendas o sacrificios. En este caso el sacrificio está representado por el cráneo de un jabalí, animal totémico de la Diosa de la fertilidad. La ofrenda es la sangre menstrual, nuestro más preciado tesoro, fuente de sabiduría e información para nuestro caminar en la tierra.
Esta imagen, cuya belleza se adivina tras la mirada ancestral, invita a meditar sobre nuestro linaje como mujeres, sobre nuestro sacrifico y nuestro dolor, sobre las muertes de tantas mujeres a lo largo de miles de años, ya sea quemadas, violadas, asesinadas … la sangre nos recuerda todo el dolor derramado sin sentido y nos invita a empoderarnos en nuestra esencia salvaje y primigenia para crear un presente continuo de sanación y crecimiento para todas.

 

“Mujer Partida”

Myriam Negre Masiá, 2006

Una mujer partida, símbolo de generaciones de mujeres exiliadas de sus cuerpos y sus visiones. En el interior de su alma, en la profundidad de su ser, se pregunta cual es su lugar, qué viene a representar. Su parte femenina y su parte masculina están partidas. Una mano las une. Es el misterio de un cuerpo tan humano.

Poema:
Hoy el camino me atraviesa
Su filo me agujerea
Me desangra
Me desvela
Palpable su presencia
Lo siento
Lo imagino
Lo borro y le doy la vuelta
Pero ya me ha atravesado
Hundido en mis entrañas
Ha sellado la puerta
La espada se queda.

 

“The City of the Broken Dolls II”

Diana Carolina Bejarano Coca (Diana Coca), 2010

Una narrativa visual construida en base a poses violentas e impulsivas. Es la historia de una mujer salvaje que intenta volver a la tierra, al útero, al inicio, y reconectarse consigo misma. El tacón rojo es el nexo desequilibrante, incómodo y constreñido, que separa el cuerpo de la mujer de la tierra. Este proyecto, así como mi discurso artístico en general, siempre está articulado en torno a la mujer, al espacio público y la exploración del zapato de tacón como nexo de unión entre ambos.

Como afirma Donna Haraway, el cuerpo contemporáneo del siglo XXI no es ni naturaleza ni cultura, ni organismo ni máquina, es una entidad tecnoviva multiconectada que incorpora tecnología. Desaparecido el cuerpo cristiano se construye una nueva materialid-
ad, proliferando nuevos órganos en los que el poder viene a inscribirse. Me interesa el cuerpo profanado, con residuos de violencia, restos de heridas, vestigios de dramas emocionales y, en general, situaciones de insatisfacción respecto al modelo establecido. Éstas situaciones a veces desembocan en lo obsceno y lo impúdico, denunciando las experiencias abusivas que sufren las mujeres a lo largo de la vida, pero que, en muchos casos, protegen religiosamente. Referencias al Mago de Oz, Wonder Woman y Jodie Foster en Taxi Driver.

 

“Last Dinner I”

Diana Carolina Bejarano Coca (Diana Coca), 2008

Serie fotográfica creada durante una estancia formativa en el ICP de NY en 2008, donde me presento como objeto que va a ser devorado y como sujeto que va a devorar. Como un Saturno parricida, y de ahí objeto y sujeto crean una relación paradójica, sin posibilidad de realización porque la acción del sujeto sobre el objeto acabaría con ambos (objeto y sujeto). De ahí nace toda la tensión y contradicción. Están presentes por igual idea de la imposibilidad y la idea de la autodestrucción. Piernas, pies, tacones de aguja, fetiches… transgreden la sinuosa linea entre lo público y lo personal.

 

“Todos mis galones” y “Ele-cho en bis”

Miriam Vega, 2013

La investigación que desarrollo surge a través de la reinterpretación del propio cuerpo como sujeto independiente acompañado de su leyenda autobiográfica. Una de las descodificaciones que busco en mi trabajo es desmembrar la conducta del cuerpo ante el dolor, siendo la fotografía, la performance, el comportamiento textual y el vídeo los vehículos comunicativos que utilizo.

El proceso de búsqueda recoge, a través de mi propia limitación, una serie de comportamientos o actos reflejos que interactúan entre espacio y movimiento. La adaptación del cuerpo a su molde incierto hace que ciertas ejecuciones se transformen y se resuelvan en una expresividad física. Así, en la línea longitudinal del tiempo, el lenguaje corporal confluye en ocasiones con la necesidad de profundizar en la estructura más frágil y otras con el impulso de
resolver un acto cotidiano.

Entender el cuerpo como factor condicionante y cómo este se desarrolla y resuelve es un tema que podemos ver reflejado en artistas como Frida Khalo, Hannah Wilke, Francesca Woodman , Diane Arbus, Angelica Liddell entre otras… quienes muestran en sus trabajos la enfermedad o la vulnerabilidad analizando el cuerpo como existencia unipersonal y su relación con el entorno.

Mi trabajo pretende buscar en el observador un choque comunicativo, (1) donde la imagen femenina no sea sinónimo de maternidad ni de sexualidad sino la de un cuerpo digno de ser vivido.

(1) Véase: Irene Ballester Buigues. El cuerpo abierto. Representaciones extremas de la mujer en el arte contemporáneo, Editorial Trea, Gijón, 2012, p. 144

– Miriam Vega

2 Responses

  1. sanchez jose dice:

    soy artista del performance de la zona geografica USA-Mexico y comparto realidades hibridaz ademas la deconstruccion de la identidad como extencion de la conciencia-espacio tiempo. me gustaria saber si les intersaria participar en una performa colectiva en la ciudad de Tijuana. Bueno Para servirles Jose Hugo Sanchez. soy amigo de Mely y Daniel Projecto china-Tijuana.

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